Terror sublime

El terror puede ser la mejor manera de representar las cosas un poco más crudas e interesantes...

Mi proyecto se tratará de difundir varios mensajes de manera algo espeluznante y un poco fuera de lo normal.

La mayoria de mis fotos tratan sobre realidades que todos conocemos pero ninguno quiere aceptarlas, como la falta de cultura y como vamos matando la literatura poco a poco, o las malas noticias que vemos todos los días que queremos sacarnos los ojos , o como de tanto jugar los videojuegos llenos de sangre y violencia puede afectarte en la vida real.

¿Cómo se me ha ocurrido esta idea?

Digamos que no soy una persona totalmente normal, creo que primero soñé en paisajes llenos de sangre, o personas con alas de demonio y una hermosa dama llorando...no se siempre tengo ese tipo de fantasías, sueños que ya nadie se acuerda . que quizás los hemos olvidado cuando eramos niños me gustaría retomar esas pesdillas infantiles en este proyecto mientras pongo en práctica todo lo que ví en este curso y poniendo un poco de mis locas ideas espero crear algo original y lleno de mensajes...

Realmente no creo ser tan buena como todos los grandes fotógrafos pero me encantaría poder demostrarle al mundo mis ideas y que vean un poco de lo que veo o pienso.

"Me ha llegado el delirio", pensé ante la evidencia. Me desperté con un principio de terror. Seguí tumbado, con el corazón latiendo de prisa, intentando descubrir qué me había asustado."

Tipos de objetivos

Existe el objetivo ojo de pez:

Son objetivos con un ángulo visual extremo de 180 grados
Por su distorción transforman la escena en una imagen circular parecida cuando miras a traves de la rendija de una puerta.Las focales consideradas ojo de pez van desde los 8mm hasta los 15mm. Generalmente los lentes entre 8 y 10mm producen imágenes circulares en cámaras full frame, en donde encontramos un extremo viñeteo y los que se encuentran cerca de los 15mm pueden cubrir todo el sensor.

Gran Angular:

Ángulo de visión inferior al ojo de pez , pero superior a los normales,

Se considera grandes angulares lo que proporcionan entre los 60 y los 180 grandes.

Genera un amplio espacio y deforma las longitudes.

Son utilizados para paisajes, vistas panorámicas o fotos urbanas donde se desea capturar una gran porción de la imagen. También son utilizados frecuentemente para realizar fotografía de interiores. Se consideran gran angular las focales entre 17 y 35mm y usualmente poseen un campo de visión a partir de 60º en adelante.

Objetivo normal:

43 y 56 grados se aproxima bastante al campo visual del ojo humano inmovil.

Viene a ser un término medio entre los grandes angulares y los teleobjetivos.

Teleobjetivos:
Reciben esta nomenclatura los objetivos cuya distancia focal es alta, generalmente más de 135mm y en el caso de los Superteleobjetivos de 400mm en adelante. Su principal cualidad es acercar los objetos fotografiados, nos permiten tomar fotos a objetos o personas que se encuentran a gran distancia de la cámara. Al tener una gran distancia focal también reducen la profundidad de campo en nuestras fotografías por lo que producen un genial desenfoque o bokeh.
Son frecuentemente utilizados para fotografía deportiva y de naturaleza. Es recomendable acompañar su uso de un monopie o trípode ya que cualquier vibración o movimiento podría resultar en una fotografía movida. No suelen tener gran luminosidad, generalmente f/4 o f/5,6, aunque los más caros y algunos fijos se pueden encontrar en aperturas como f/2,8. 

Algunas referencias sacadas de :
http://altfoto.com/2010/03/guia-de-objetivos

El fotógrafo de la mujer Helmut Newton

Es uno de los grandes fotógrafos que nos ha dejado el Siglo XX. Artista sin igual; ha impregnado en cada una de sus fotografías un sello original y distinto que permite diferenciar su trabajo del de cualquier otro artista. Nace en Berlin en 1920, en el seno de una familia pudiente judía. Con la llegada de Hitler al poder y la persecución contra los judíos tiene que salir del país y hace una primera parada en Singapur, donde trabaja como fotógrafo en un diario. Las inquietudes artísticas ya habían brotado en el joven Newton, quien hizo sus primeros pinitos en la fotografía con tan sólo 12 años.

En Singapur comienza su carrera fotográfica, pese al desacuerdo de su padre. De allí es deportado a Australia. En la isla pasará una temporada en un campo de internamiento por sus orígenes judíos y la influencia nazi pero más tarde, en los últimos años de la II Guerra Mundial, es reclutado en el ejército australiano hasta el fin de la contienda. En la época de posguerra monta un pequeño estudio de fotografía en Melbourne y retoma su andadura artística. Además conoce a su futura mujer, June Browne. Se va a Londres para aprender más del campo de la moda y dos años después se traslada a París, donde trabajará para revistas de la talla de Vogue o Elle y vivirá la mayor parte de su vida. Es en París donde su carrera profesional sube como la espuma en éxito y calidad y empieza a ser reconocido por todo el mundo, principalmente como fotógrafo de moda. Los últimos años de Newton se sitúan entre Montecarlo y Nueva York. El trabajo de Newton es característico. Si bien la parcela de la moda es la más conocida, sus fotografías no sólo se quedan en bellas modelos y ambientes lujosos. El talento de Newton va más allá. El aura de elegancia y sobriedad impregna el acetato del alemán, aficionado al desnudo y a la seducción femenina. Siempre ha sido un enamorado de la belleza de la mujer y ha sabido plasmarla como nadie. Falleció a los 83 años pero siempre nos quedará su legado de buen hacer y maestría, sobre todo con la mujer.

Helmut Newton decía que era absurdo buscar locaciones a mas de dos kilómetros del hotel donde se hospedaba. El siempre encontraba un rincón, una vista , un escenario propicio para lo que necesitaba sin tener que desplazarse apenas desde donde estaba durmiendo.

Amé las fotos de este fotógrafo, la desnudez tan perfecta, las diferentes situaciones en las que cada una de las fotos se presenta, los diferentes escenarios que retrata , la sensualidad de cada fotografía es hermosa, las fotos que me encantaron fueron exactamente las que puse, el combina la naturaleza, la pasión, el cuerpo de la mujer en varias situaciones.

El retrata a mujeres ya que el comenta que está fascinado con el cuerpo de ellas.

Cada una de sus fotos tiene esa sobriedad, esa elegancia y seducción, así lo define él que son las mujeres,

Página de referencia:

http://funversion.universia.es/tendencias/reportajes/newton.jsp

Richard Avedon...lo bello de las fotos.

Reputado fotógrafo de modas y gran retratista, comenzó su carrera profesional en los años 1950 realizando espléndidos trabajos de moda para la revista Harper's Bazaar, donde acabó convirtiéndose en Jefe de Fotografía. Posteriormente, habría de colaborar igualmente con otras revistas como Vogue, Life y Look. Sin duda alguna, fue el gran fotógrafo de la moda durante los años 1960 y 70. En sus trabajos consiguió elevar la fotografía de moda al rango de lo artístico, al conseguir acabar con el mito de que los modelos debían proyectar indiferencia o sumisión. Por el contrario, en sus fotografías los modelos eran personajes libres y creativos en sus gestos dentro de escenarios dinámicos y bajo esquemas compositivos previamente decididos.

En los años 1960, Avedon se reveló como un artista comprometido con las inquietudes sociales de su tiempo. Durante el año de 1963 fotografió el Movimiento por los Derechos Civiles en el sur de los Estados Unidos, colaborando en los siguientes años con James Baldwin en el libro Nothing personal. A finales de los 1960 y principios de los 1970, Avedon realizó reportajes sobre líderes militares y víctimas en la Guerra de Vietnam y manifestaciones anti-guerra en los Estados Unidos para el diario New York Times. En la Navidad de 1989-1990 marchó a Alemania para documentar una ciudad dividida en dos mundos diferentes la noche en que caía el Muro de Berlín.

Sus retratos, aparentemente sencillos pero profundamente psicológicos, de personalidades famosas y desconocidas posando frente a un inmaculado fondo blanco, muestran a un cuidadoso fotógrafo capaz de plasmar en papel fotográfico rasgos inesperados de los rostros de personajes de la envergadura de Truman Capote, Henry Miller, Humphrey Bogart o Marilyn Monroe, entre muchos otros. Su método era sencillo pero efectivo, la derrota anímica del contrario fotografiado a través de largas y cansadas sesiones de hasta cuatro horas. Así desnudo, el retratado e indefenso era capaz de mostrar su personalidad más sincera

 “Su obra simplifíca y magnifíca la actitud del retratado, diluye los condicionamientos del contexto, siempre y cuando utilice el fondo blanco, aún así siempre sus retratos brillan por la síntesis entre técnica y tema”

Su

Este fotógrafo retrata lo bello, la delicadeza en la mujer, resalta las facciones de sus modelos...aunque se comenta que sus sesiones de fotos eran muy largas para poder sacar lo natural de las modelos, lo normal.

Me gustaron sus fotos aunque no tanto como los de Michiko kon , él refleja lo bello del cuerpo, lo femenino , se ubica en las curvas. la smodelos se convertían en gráciles, llenas de libertad 

Las fotos me transmites esa ligereza , la suavidad y lo perfecto. los grandes contrastes del blanco y negro, muchos que comentan sus fotos dicen que si no fuera por estos contrastes tan magníficos las fotos pasarían desapercibidas. 

La foto que más aprecié de e fue la de Marilyn Monroe porque su rostro demuestra la ausencia de futuro, algo nostálgico , no como todas sus fotos con la mirada seductora si no con la mirada algo baja.

Información sacada de las siguientes páginas :

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/a/avedon.htm

http://es.wikipedia.org/wiki/Richard_Avedon

http://sobrefotos.com/2008/02/07/fotos-artisticas-richard-avedon/

Las dimensiones de Duan Michals

Duane Michals (n. 18 de febrero de 1932) es un fotógrafo estadounidense. Su obra fotográfica destacó en los años setenta por sus secuencias y la incorporación de textos como elementos de las fotos. Se le considera uno de los principales representantes de la fotografía conceptual y filosófica.

Su formación fotográfica es autodidacta. En 1958 hace un viaje a Rusia y se propone retratar a todas las personas que se encuentra.¹ Esta situación le crea problemas con el gobierno americano ya que existía tensión por la guerra fría. A partir de esta experiencia se dedica con intensidad a la fotografía.

Ha trabajado en diferentes campos de la fotografía comercial colaborando con prensa, revistas, como Esquire, Vogue, Mademoiselle, ... y en la edición del trabajo gráfico de algunos discos musicales. También ha recibido premios por su obra en Estados Unidos, Gran Bretaña y Francia.

Atget es el fotógrafo que más ha influido en sus obras. Aunque en sus fotografías se nota la influencia del surrealismo, especialmenteMagritte y Balthus. Sin embargo, suele introducir elementos de reflexión sobre la existencia humana.²

Realizó su primera exposición en la Underground Gallery de Nueva York con los retratos realizados en su viaje a Rusia en 1963. Los retratos que ha ido realizando después han continuado esta tendencia de hacerlos en su propio ambiente y no utilizando el estudio fotográfico. Con los retratos realizados entre 1958 y 1988 ha realizado un libro llamado Album.³ En 1966 expuso en el George Eastman House de Rochester, Nueva York, con Lee Friedlander, Garry Winogrand, Bruce Davidson y Danny Lyon. En 1970 realiza una exposición en el MOMA de Nueva York. Desde estos años ha realizado bastante exposiciones en todo el mundo.⁴

La parte más significativa de su obra son las secuenciaciones y la incorporación de textos como elementos visuales integrados. Así en la portada del disco Synchronicity de Police se puede observar esa utilización de la secuencia para cada uno de los músicos.⁵ En 1966 presenta sus primeras secuencias y poco después incorpora sus textos a sus fotografías, dotándolas de un nuevo contenido ideológico.⁶

Una característica esencial de su obra es la redefinición del medio fotográfico como un medio artístico y no como un registro de la realidad, destacando el papel de las emociones y los sueños.⁷ Sus escenificaciones y sus textos añadidos le sitúan en el arte conceptual

Su obra fotográfica en España se dio a conocer a través de la revista Nueva Lente. Su primera exposición fue en una galería de arte privada en Madrid, España en 2001.

Premios

• 1975 CAPS Grant.

• 1976 National Endowment for the Arts Grant
.
• 1978 Pennsylvania Council of the Arts
.
• 1975 Carnegie Foundation Photography Fellow, Cooper Union, 
New York.
• 1982 Medaille de Vermeil de la Ville de París, Francia.
• 1989-91 Meadows Distinguished Visiting Professor, Southern Methodist University, 
Dallas, Texas.
• 1991 International Center of Photography Infinity Award for 
Art
Nissan International Fellow.

• 1992 Honorary Fellowship, Royal Photographic Society, Bath, 
England

• 1993 Officier dans l'Ordre des Arts et des Lettres, France
The Century Award, Museum of Photographic Arts, San 
Diego, CA
Youth Friends Award, School Art League of New York 
City.
• 1993 Honorary Doctorate of Fine Arts, Art Institute of 
Boston, Massachussetts.
• 1994 Gold Medal for Photography, The National Arts Club, New 
York.
• 1998 Adam Tillmans Series lecturer, Bennington College, 
Bennington, Vermont
.
• 2000 Palm Beach Mentor's Award, Palm Beach Photographic Center, 
Palm Beach, Florida.
• 2001 Vocación indagatoria. PhotoEspaña, Madrid, España.

Transmite, y lo consigue como muy pocos lo hacen.

"Vivimos en una sociedad completamente estúpida, donde se valora más la imagen que la idea"

Michals.


Aquí les dejo su portafolio :

http://www.pacemacgill.com/duanemichals.html

Entre más y más veía sus fotos más y más me adentraba a un mundo paralelo donde era engañada una y otra vez, e este fotógrafo maneja varias dimensiones.

Me pareció bastante buena la fotografía de "religion" ya que sin explicar la foto se dió a entender la razón por la cual la hizo de que la religión católica indirectamente te obliga a creer en o que dicen.

O la de primavera, se me hizo muy cómica. Amé en verdad lo que dice que ya no se valora el significado si no la imagen, con que se vea bien es más que suficiente para que se exponga mientras el trata de dar un significado a cada una de sus fotos, está de manera explícita tan sencilla.

La realidad no me interesa en absoluto. Prefiero vivir en un mundo irreal, me parece más estimulante. Nunca me ha interesado la calle, no creo que ahí afuera ocurra nada interesante. Al contrario que otros colegas, yo no me he paseado jamás con la cámara a cuestas para captar una instantánea. A mí, sobre todo, me interesan las emociones y los sueños. Lo que pasa en la calle actualmente es demasiado estúpido como para prestarle atención"...Duan Michals

Páginas de referencia 

http://es.wikipedia.org/wiki/Duane_Michals

http://www.radiomontaje.com.ar/fotografos/duanemichals.htm

El santo de la morgue....Peter Witkin !

Joel-Peter Witkin nacido el 13 de septiembre de 1939 en Brooklyn, Nueva York
Nacido de padre judío y madre católica, sus padres se divorciaron cuando era joven debido a sus irreconcialiables diferencias religiosas. Trabajó como fotógrafo de guerra e en la Guerra de Vietnam. . Estudió después escultura en la Cooper School Of Fine Arts de Brooklyn donde consiguió un título en artes en 1974. Después de que la Universidad de Columbia le concediera una beca terminó sus estudios en la Universidad de Nuevo México en Albuquerque donde consiguió su Master en Bellas Artes.

THE PHOTOGRAPHER IN THE MUSEUM

It immediately catches the eye, then, that this photographer only hesitatingly inscribes himself in the history of photography. Few are his references to other photographers. On the one hand, he contrast his own 'strange people' with Helmut Newton's 'very interesting photographs of beautiful people'*. On the other hand, he situates himself in the tradition of Diane Arbus* after whose example some of his photographs are conceived - think of "Man with Dog" after Arbus' "Naked Man Being a Woman" (1968)

With all the more emphasis, Joel-Peter Witkin eagerly inscribes himself in the history of painting. To begin with, it is painters from whom Witkin pretends to draw his inspiration: Bosch, Greco, Goya en Blake. I must confess that I do not precisely understand why: apart from superficial similarities in subject matter, the relation with the spirit of these masters is not at all evident. Further, many of Joel-Peter Witkins photos are made after painting of renown old masters like Botticelli, Raphael, Rubens, Velasquez, Goya, Géricault, Odilon Redon and Seurat. And, finally, the majority of his photos are not 'found reality', but rather emphatically staged dramas, just like many traditional paintings. But, otherwise than good painters, who knew to brush away the artificial pose of their models, Witkin rather seems to cherish the often artificial character of a 'tableau vivant': perhaps because such 'staged photography' looks more 'artsy' than true to nature snapshots.

But precisely such flirting with painting betrays the photographer in Witkin. From the very beginning of photography, photographers, in their endeavour to lend their art the status of true art, have drawn their inspiration from painting. From the eighties onwards, such 'pictorialism' takes the form of 'references': think of the photographed staging of classic paintings by figures like Larry Fink. Such' referring' is itself borrowed from the traditional art scene, where 'referring' was endemic in the post-modern era. With the same intention: activities that were - justifiably (see 'Mimesis and Art') - denied the status of art, were eager to adorn their works with the aura of the masters in the muse. Just think of Jan Fabre, who deems it sufficient to refer to Jeroen Bosch's 'Heaven of Delight' to elevate his purely decorative 'Heaven of Delight' to the rank of genuine art works like the Sistine Chapel.

 

ARTIST?

No saint, then, but sadist. No painter, but documentary photographer. A great artist perhaps?

Again, we should no be misled by appearances. To begin with, even Witkin's most fervent aficionados will have to admit that his oeuvre is rather one-sided, if not monomaniacal. Formerly, artists used to be judged from the multifacetedness of their oeuvre, as well from the point of view of subject matter, as from the technical point of view. During the twentieth century, the market has decided otherwise: increasingly, artists become brands, and their works logos: just think of Jan Fabre's beetles or of Luc Tuymans' washed-out palette - and that phenomenon announced itself already with Mondrian, Rothko or the late Bacon. You can recognise them from miles away. Not like you recognise a Shakespeare, a Mozart or a Rubens - as the one single spirit that hovers over countless waters - but like you recognise a brand: by the flag, not by the freight. The artwork as logo. That goes especially for Witkin. There is nearly no development in his oeuvre, not formally, not contentually.

The work of Witkin suffers from more shortcomings. We already discussed the deeper meaning of Witkin's widely praised compositions. Let us now have a look at them from an artistic point of view. As long as Witkin handles only one figure or body part, he occasionally makes stronger photos like 'Story from a book' (1998). But, paradoxically enough, Witkin seems to have more problems when he has to combine more elements. Paradoxically enough: because precisely the staging of photos opens possibilities that are out of reach for the photographer of found reality. Nevertheless, Witkin seldom succeeds in composing an organic whole - or, which comes down to the same: to make the anorganic really anorganic: his compositions always partake of the artificial character of tableau vivants or photo collages. That is not so conspicuous in his still lives. But, in his compositions of human figures, he mostly makes a poor show - especially when, in addition, he paraphrases paintings, like in the bluntly ridiculous 'Gods of Earth and Heaven' (1988) after Botticelli's 'Birth of Venus'. Not to mention 'John Herring posing as Flora' where an aids patient appears on a cloud 'in order to show his elevation above life and existence', without however really coming off the ground. 'Artsy', to be sure. But great art? No!

Whatever merit Witkin's work might have from a formal point of view is spoilt by the content. Everybody is absolutely free in the choice of his subject matter. But the critic is also free in making a judgment. And when I have to choose between sadism sold as compassion, and the crude variant, I choose for the latter: a pure question of truth. In this respect, photos of say a Goran Bertok are far more outstanding than those of Witkin, were it alone for the fact that his images are unadulterated photos, and not documents in the guise of paintings, like those of Witkin.

Leyendo la entrevista que puse arriba comprendí más sus obras...Porque al ver sus fotografías uno piensa que sadomasoquista o que tipo de ideas tan extrañas o grotescas puede retratar, pero en realidad es alguien que con sus fotos quiere cambiar la opinión de todas las persona de lo bello, o de lo atractivo, porque él en sus fotos retrata personas deformes o muertas y te das cuenta que lucen como tiene que lucir en la foto , hermosas, el dice "¿Porqué no amar al no amado,al margiunado, al no vivo ? ".


Se me hizo interesante la propuesta que le hace Witkin a la reportera  "La invito  a beber la pus de los leprosos...que le parecería? yo o haría por quitar ese paradigma tan estúpido" 
EL se me hace asombroso por lo que retrata en sus fotos...la muerte vista por otros ojos , algo sublime e interesante.


Muchos de los fotógrafos le dicen el santo de la morgue pero en realidad el no se considera algo así, en sus fotos retrata pasajes de la biblia y la persona en la que se inspiró fue en el artista Griffin el cual es del siglo XVI el cual retrataba lo sangriento que ocurría en esa era.


Me encanta las obras de este fotógrafo por  lo que representa, la gran dedicación aunque sean fotos armadas, el también maneja un tipo de revelado donde rasga el negativo.




Páginas en las cuales leí


http://es.wikipedia.org/wiki/Joel-Peter_Witkin
http://www.cristinaarce.com/biografia_fotografo_witkin_joel.html


http://d-sites.net/english/witkin.htm aqui está la entrevista 

Una gran fotógrafa y magnífica mangaka....Michiko kon

El subrrealismo manejado en cada una de sus fotos:

Esta fotógrafa en cada una de sus fotos nos muestra un tipo de bodegones algo extraños pero que ella no maneja la simpleza de un bodegón sencillo si no que sustituye las frutas,, botellas por espinas de pez que con muchísimo ingenio las va transformando es un hermoso tu tú o la foto que más me gustó de ella trataba de unos girasoles...pero al verlos de más de cerca me encontré que eran ojos de pez, sus fotos son increibles ya que ella misma crea sus escenografías de naturaleza viva y muerta y las junta para crear objetos o elementos

tan fuera de lo real , esto es por lo que ella es bastante conocida por su subrealismo.

En el libro que ella publicó en 1997 llamado "Michiko kon , Still lifes" ella comenta que nace en 1995 en Japón cerca de un tianguis de pescado y estudia en la Universidad de Sora, tiempo después se interesa en la fotografía pero siempre sus elementos son pescados.

Viendo las fotografías de Michiko kon me  he fijado que se ven los detalles de la piel de pescado o de los ojos de sardina, la perfección de las lineas y los colores tan finos, y  leyendo varias páginas me dí cuenta que usa la técnica de la platinotipia que esta se trata de que el negativo esté en contacto con el papel, y esto hace que la foto sea más duradera pero aparte no maneja plata si no que maneja sales de platino que hace que los detalles resalten, varios de los fotógrafos a los cuales he leído aparte de grandes y espléndidas ideas el revelado es muy importante y con qué materiales se maneja.

Las obra de Michiko Kon puede encontrarse en el Metropolitan Museum de Tokio, en el Art Institute de Chicago o en la Nacional Gallery de Australia. En los dos últimos años la revista Matador y el Sunday Times han publicado reportajes sobre su trabajo.

"Ella dibuja de manera hermosa aunque sus historias no son muy buenas" Comenta el famoso mangaka Masashi  Kishimoto al ver los trabajos de Michiko Kon.

Al parecer esta fotógrafa es muy querida en Japón por varias revistas que he leido y en lo personas me gusta mucho su trabajo aunque eso que los destruya después de hacer la foto es algo que yo no entiendo , el arte es efímero pero algunas cosas que ella hace son  hermosas como para destruirlas, me gusta mucho el surrealismo barroco que maneja y el juego visual en el cual nos hace que nos metamos.

Hace poco algunas de sus obras fueron vendidas alrededor de 4 millones, en una caja que ella diseña llamada "Kon Box".

http://www.invaluable.com/artist/kon-michiko-guxj20i9jj

Página de subasta de Michiko Kon

Páginas en las que leí
http://www.antiqbook.com/books/asearch.phtml?author=Michiko%20Kon

http://www.artfacts.net/es/artista/michiko-kon-30631/perfil.html

http://www.metroactive.com/papers/metro/08.17.00/michikokon-0033.html